Actividad documental Visions of Light: The Art of Cinematography
¿En qué consiste el
trabajo del director de fotografía?
El director de fotografía es
aquella persona que trabaja inconscientemente respondiendo a la luz. También
puede ser aquella persona que se encargue de dirigir a los actores en un
momento dado del rodaje de una película o que colabore con el director en las
decisiones que se toman dentro de una película que involucren a la fotografía.
Los directores de fotografía
tratan de contar una historia a través de imágenes para que el público la
entienda y la disfrute. Además de ello, utilizan distintos recursos y técnicas
visuales para entender el lenguaje del director. Y sumado a todo ello, un
director de fotografía también debe ser capaz de realizar cualquier tarea que
le indique hacer el director.
Explicadme qué
relación ha habido entre la técnica y el arte en el ámbito de la dirección de
fotografía
Primeramente, uno de los primeros
hallazgos e innovaciones que introdujo el cine fue la cámara sobre ruedas, la
cual podía moverse de un lado para otro, siguiendo a los actores. De este modo,
el hecho de que una cámara se moviera sobre ruedas hizo que muchos planos
fueran más libres y más originales. Gracias a este invento, muchos directores
de fotografía pudieron experimentar con las imágenes, aportando un estilo y un
arte a ellas, pero tenían que saber manejar estas nuevas herramientas para
conseguir un nuevo estilo visual. De esta manera, la técnica y el arte guardan
una relación debido a que, con la nueva técnica de la cámara, podían retratar
un nuevo arte en las imágenes.
Relacionado con la película
“Citizen Kane” (Welles, 1941), el director de fotografía planeó y pensó los
distintos planos y los distintos encuadres de la película junto con Orson
Welles debido a que éstos no podían ser elegidos al azar para realizar una
escena. También se afirma que un director de cine debe confiar en su director
de fotografía debido a que él combina el arte de dirigir a los actores y de
utilizar distintas técnicas para poder llevar a cabo la idea del director. La
técnica y el arte se relacionan en estas afirmaciones debido a que una buena
preparación dentro de un rodaje y una buena confianza del director y del
director de fotografía llevan a que la película sea mejor, tanto visual como
artísticamente.
Se afirma también que el cine
negro tuvo su influencia en el expresionismo alemán. Tenía una escasez visual
estilística y un vocabulario poco común, con una iluminación muy cruda, sombras
oscuras, ángulos bajos o planos muy fuertes que resultaban muy primitivos y muy
simplistas. Los directores de fotografía de este género utilizaban muy
frecuentemente la oscuridad porque era un elemento muy importante, ya que
aportaba mucha rigidez a las escenas. El director de fotografía de cine negro
que más utilizó la oscuridad fue John Alton.
Con el cambio del modelo en
blanco y negro al modelo en color, se permitió experimentar con una gran gama
de tonos de color. El mundo del cine empezó a interesarse por el color, debido
a que la fotografía se volvió más sofisticada, y gracias a este interés se
realizaron las películas más importantes de la cinematografía de los años 30 y
40. Debido a que la técnica de la fotografía cambió en aquella época, la
fotografía en color se convirtió en un nuevo arte para la cinematografía. Pero
el proceso del cambio de la fotografía en blanco y negro a la fotografía en
color fue complicado debido a que los directores de fotografía consideraban que
la fotografía en blanco y negro aportaba más tonalidad y más drama a las
películas, y este hecho hizo que algunos todavía continuasen con el blanco y el
negro en sus imágenes a pesar de este cambio.
El formato de la imagen sufrió el
mismo proceso. Con el cambio de formato de la imagen cuadrada a la imagen
horizontal, muchos cineastas estaban dubitativos a la hora de filmar y de
colocar los elementos dentro del encuadre, pero la nueva imagen horizontal les
aportó libertad para dar rienda suelta a las emociones de los personajes.
Tal y como afirma el documental,
los directores de fotografía consideraban su oficio como un arte, y todo su
trabajo partía del guion de la película, citando a James Wong Howe. De esta
forma, la técnica (el trabajo del director de fotografía) y el arte (el
conocimiento del director de fotografía) se relacionan dando pie a una buena
fotografía dentro de una película.
El documental también relata que
el nuevo cine francés trajo consigo nuevos movimientos de cámara que aportaban
más dinamismo a las escenas de las películas y nuevas herramientas que
contribuyeron a esa experimentación con las cámaras. Es decir, el arte aportó
nuevas técnicas en el cine.
Siguiendo el desarrollo de Visions of Light, Conrad Hall fue un
director de fotografía innovador y lanzado a la experimentación. En una escena
de la película “In Cold Blood” (Brooks, 1967), provocó que en la cara del actor
principal se mostrase un reflejo de la unión de la iluminación presente en el
rodaje y la lluvia del exterior, lo que hizo que se crease un efecto
“accidental” en la cara del actor que complementaba a la tristeza y a la pena
que el personaje sentía, encuadrando estéticamente en la imagen. De esta
manera, la técnica y el arte repentinamente se complementaron para crear un
efecto estilístico que predominaba sobre cualquier otro.
Haxxler Wexxler, director de
fotografía de “Who’s afraid of Virginia Woolf?” (Nichols, 1966) y Vilmos
Zsigmond, director de fotografía de “McCabe and Mrs Miller” (Altman, 1971),
utilizaron distintas técnicas visuales para retratar las historias que contaban
ambas películas. Ambos utilizaron técnicas para convertir unas imágenes en todo
un arte para el espectador.
Uno de los temas que aborda el
documental es la fotografía en la ciudad de Nueva York. Rodar en Nueva York
supuso un cambio de mentalidad tanto para los cineastas como para los
directores de fotografía debido a que el realismo de la ciudad imponía utilizar
un tipo de fotografía diferente el cual se caracterizaba por el uso de luces
Fay, las cuales iluminaban poco. Este hecho supuso grandes contrastes entre la
luz y la oscuridad, como se muestra en “On The Waterfront” (Kazan, 1954) y que
las historias se relatasen con un estilo de documental y con actores llenos de
energía para que el realismo de Nueva York calase en los espectadores, como se
evidencia en “Midnight Cowboy” (Schlesinger, 1969) y en “Dog Day Afternoon”
(Lumet, 1975).
Según Gordon Willis, el cual se
encargó de la fotografía de “Annie Hall” (Allen, 1977) y “El Padrino” (Coppola,
1972), el director de fotografía no sólo se encarga de la luz y del color, sino
también de la posición de los objetos dentro del encuadre de la cámara y de la
escenografía de la película, por lo que tiene que estar en conexión con el
director de arte.
Al igual que una buena
iluminación hace una buena fotografía, con unas buenas herramientas también se
puede conseguir una buena fotografía. “Chinatown” (Polanski, 1974) es una
película que fue grabada con una buena tecnología, pudiendo grabar en espacios
cerrados con una cámara en mano, sin necesidad de desplazar paredes en el
decorado. También recurrieron a la utilización de la cámara en mano en algunas
escenas para aportar al espectador una mirada voyerista de la historia que se
contaba y para distraer al protagonista de la acción. De esta manera, las
nuevas técnicas, las nuevas herramientas, hicieron mejor el discurso del arte.
Otro claro ejemplo de nuevas
técnicas en el cine es “Jaws” (Spielberg, 1975). Todas las tomas que se rodaron
de la película fueron a mano por la inexistencia de los steadycams, pero los
espectadores podían sentir el realismo y el peligro al acercarse el tiburón a
la costa debido a esos planos con la cámara en mano.
La técnica también viene de la
mano de perseguir la realidad, perseguir la iluminación real de un lugar. De
esta manera, Néstor Almendros, director de fotografía de “Days of Heaven”
(Malick, 1978), utilizó luz natural para iluminar las distintas escenas de la
película debido a que ésta se desarrolla en una época anterior a la actual y
apenas existía la luz por aquel entonces, consiguiendo así cierto realismo en
la iluminación.
En el documental, Vittorio
Storaro, director de fotografía de “Apocalypse Now” (Coppola, 1979), trató la
luz con todas las posibilidades que le ofrecía, pero siempre oponiendo los
términos para poder experimentar con ella. En “The Last Emperor” (Bertolucci,
1987), Storaro quiso referenciar las etapas de la luz con las etapas del
protagonista, correspondiendo cada color con una virtud y describiendo las
situaciones de la película. De esta manera, la técnica y el arte se relacionan
para describir el tono dramático y las distintas emociones y situaciones que se
viven dentro de una película. Sumado a todo ello, la luz, además de describir
las diferentes situaciones de la película, debe servir para reflejar el estado
de ánimo de un personaje y cómo se debe extraer una imagen para que se viera
con gran detalle, tal y como se muestra en la película “Eraserhead” (Lynch,
1977).
¿Qué relación
estableció la fotografía entre los directores y las estrellas de Hollywood?
La fotografía estableció una
relación la cual se basaba en los tipos de planos que los actores querían para
salir más agradecidos en las tomas. De esta forma, las decisiones que tomaban
los directores de fotografía estaban ancladas a los actores y a las actrices de
Hollywood.
Citando a Conrad Hall, un
prestigiado director de fotografía, los directores de fotografía estaban
controlados por las estrellas porque ellas confiaban en que los directores de
fotografía sacasen un buen plano de ellas, depositando toda su confianza en los
cinematógrafos. Por otra parte, algunas estrellas de Hollywood, como Greta
Garbo, tenían su propio director de fotografía debido a la gran confianza que
tenían en él.
La fotografía también se
utilizaba para resaltar a los actores y que sobresalieran por encima de otros o
para enfatizar ciertas partes del cuerpo de un actor.
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